Peintres russes XIXe-XXIe siècle : entretien avec un historien

La peinture russe occupe une place singulière dans l’histoire de l’art européen. Trop souvent réduite, dans le grand public français, aux icônes byzantines et a quelques noms d’avant-garde, elle constitue en réalité un continent pictural a part entière, traverse de courants, de querelles et de figures qui ont change le regard du monde sur l’image. Pour explorer cette richesse, Sophie Lecomte, rédactrice arts visuels d’Art-Russe.com, a longuement échange avec Mikhail Petrov, historien d’art indépendant base à Paris.

Cet entretien est présente sous formé de synthèse éditoriale : il s’agit d’un portrait construit à partir de plusieurs conversations menées au fil des derniers mois autour des grandes figures russes du XIXe au XXIe siècle. Mikhail Petrov, qui a consacré vingt-cinq ans à la peinture russe et organise des expositions privées autour de Repin, Aivazovski, Malevitch ou Kabakov, livre ici une lecture personnelle, accessible aux amateurs comme aux collectionneurs débutants, sur la manière de regarder et de situer ces œuvres dans la culture européenne.

Comment définit-on la peinture russe au XIXe siècle ?

**Sophie Lecomte :** Pour beaucoup de lecteurs français, l'art russe commence avec Malevitch ou Kandinsky. Pourtant le XIXe siècle russe est extraordinairement riche. Comment caracteriseriez-vous la peinture russe de cette époque pour quelqu'un qui la découvre ?

**Mikhail Petrov :** Il faut d'abord comprendre que la peinture russe profane, telle que nous la connaissons, est relativement récente. Avant Pierre le Grand, la production picturale est essentiellement religieuse — les icônes byzantines, transmises depuis la Rus' de Kiev, et leur prolongement dans les ateliers de Moscou, Novgorod ou Pskov. C'est au XVIIIe siècle, sous l'influence de la cour impériale, que la peinture de chevalet a l'occidentale s'installe vraiment, avec des portraitistes formés en Italie ou en France.

Le XIXe siècle change tout. C’est le moment ou la Russie produit une école nationale, profondément enracinée dans son territoire et ses paysans, mais en dialogue constant avec Paris, Munich, Rome. On y voit émerger trois grandes lignées : les paysagistes (Aivazovski, Chichkine, Levitan), les portraitistes et peintres d’histoire (Brioullov, Ivanov, Sourikov), et surtout les réalistes sociaux des Ambulants — Repin en tête — qui vont donner à la peinture russe sa coloration la plus reconnaissable.

Si je devais résumer en une phrase ce qui distingue cette peinture : c’est un art qui prend la société au sérieux. Pas une peinture décorative, pas une peinture de salon. Une peinture qui interroge le destin du peuple, l’histoire, la lumière du Nord, et qui le fait avec une virtuosité technique souvent oubliée aujourd’hui.

Les Ambulants : un réalisme social qui change tout

**Sophie Lecomte :** Vous mentionnez les Ambulants — les Peredvijniki. Pouvez-vous expliquer ce mouvement et son importance ? J'ai l'impression que c'est l'angle mort des manuels d'histoire de l'art français.

**Mikhail Petrov :** Vous avez raison, et c'est dommage. Les Ambulants sont nes en 1870, quand un groupe de jeunes peintres a fait sécession de l'Académie impériale des Beaux-Arts de Saint-Petersbourg. Ils refusaient le sujet imposé — souvent une scène mythologique grecque — et voulaient peindre la Russie réelle : ses paysans, ses popes, ses prisonniers, ses paysages. Le nom vient de leur stratégie d'exposition : ils faisaient circuler les œuvres à travers l'empire, de Moscou a Kazan, de Kiev a Odessa, pour amener l'art au peuple plutôt que de l'enfermer dans les capitales.

Les figures clefs sont Ilia Repine — ou Repin selon la translittération —, Ivan Kramskoi, Vassili Sourikov, Nikolai Ge, Vassili Perov, et plus tard Valentin Serov. Repin, c’est l’auteur des Bateliers de la Volga — cette image de douze hommes harnaches, tirant une péniche sous le soleil, qui est devenue presque l’emblématique de l’ame russe au XIXe siècle. Mais Repin est bien plus que ce tableau : portraitiste exceptionnel — son Tolstoi laboureur est sublime —, peintre d’histoire avec Ivan le Terrible et son fils, organisateur infatigable de la vie artistique.

Les noms incontournables sont Ilia Repin, Ivan Aivazovski et Vassili Sourikov pour le XIXe siècle ; Kazimir Malevitch, Vassily Kandinsky, Marc Chagall et Natalia Gontcharova pour l’avant-garde du XXe ; Arkadi Plastov et Aleksandr Deyneka pour la période soviétique ; Ilya Kabakov, Eric Boulatov et le collectif AES+F pour l’art contemporain. Pour une liste plus complète, consultez la page sur les peintres russes célèbres.

L’importance des Ambulants est triple. Premièrement, ils inventent un réalisme social qui précédé et nourrit le réalisme socialiste soviétique. Deuxièmement, ils créent un marche de l’art russe — Pavel Tretiakov, l’industriel collectionneur, leur achète systématiquement les œuvres et fondé la galerie qui porte son nom. Troisièmement, ils établissent l’idée qu’un peintre russe doit dire quelque chose de la Russie, et pas seulement reproduire des canons académiques. Tout ce qui suit, jusqu’à l’avant-garde, prend position pour ou contre cet héritage.

Repin, Aivazovski, Sourikov : le triumvirat du XIXe russe ?

**Sophie Lecomte :** Si un lecteur d'Art-Russe veut découvrir le XIXe siècle russe par trois peintres, lesquels conseilleriez-vous, et pourquoi ?

**Mikhail Petrov :** Je dirais Repin, Aivazovski et Sourikov. Ce ne sont pas nécessairement les plus célèbres à l'étranger, mais ils incarnent trois facettes essentielles : le réalisme social, le paysage maritime romantique, et la peinture d'histoire monumentale.

Ilia Repin, on en a parlé. Sa puissance vient de la psychologie : ses personnages ont une présence, un regard, une consistance intérieure qui fait qu’on les habite. Allez voir n’importe quel portrait de lui — Mendeleev, Moussorgski, la comtesse Golovine — et vous comprenez pourquoi on le considère comme l’égal des grands portraitistes européens du siècle.

Ivan Aivazovski — ou Aïvazovsky — est le peintre maritime russe par excellence. Origine arménienne, formation a Saint-Petersbourg, il a peint plus de six mille marines. La Neuvième Vague, son chef-d’œuvre de 1850, montre des naufragés s’accrochant à un débris pendant qu’une vague monstrueuse se préparé a fondre sur eux. Mais ce qui fascine chez Aivazovski, c’est sa virtuosité technique : il peignait l’eau de mémoire, sans modèle, avec une transparence et une luminosité que ses contemporains français lui enviaient. Turner, Boudin, Courbet l’admiraient.

Vassili Sourikov, c’est la Russie historique. Le Matin de l’exécution des Streltsy, Boyarine Morozova, La Conquête de la Siberie par Yermak : trois immenses toiles narratives qui racontent les ruptures de l’histoire russe avec une force dramatique, une science du détail vestimentaire et architectural, une composition de fresque cinématographique avant la lettre. Sourikov, c’est l’Eisenstein du pinceau, soixante ans avant Eisenstein.

Pour aller plus loin sur ces figures et leurs successeurs immédiats, je renvoie à la page pilier consacrée aux peintres russes célèbres qui compile une sélection raisonnée de noms incontournables.

L’avant-garde russe : Malevitch, Kandinsky et la rupture du XXe

**Sophie Lecomte :** Passons au XXe siècle. L'avant-garde russe est mondialement reconnue. Comment expliquer qu'un pays à la tradition réaliste si forte produise, en quelques années, des figures aussi radicales que Malevitch ou Kandinsky ?

**Mikhail Petrov :** C'est un paradoxe apparent, mais il s'explique très bien. La Russie de la fin du XIXe siècle est en pleine effervescence intellectuelle. La génération qui naît dans les années 1860-1880 — celle de Kandinsky, Malevitch, Larionov, Gontcharova, Tatline, Rodtchenko, Lissitzky — grandit au moment ou Tolstoi écrit, ou Tchaikovski composé, ou Pavlov étudie les réflexes, ou Mendeleev classe les éléments. C'est une période de bouillonnement culturel intense, comparable a Vienne 1900.

Ces jeunes peintres voyagent. Kandinsky étudie le droit avant de partir a Munich en 1896, ou il fondé le Blaue Reiter avec Franz Marc. Malevitch lit la théosophie, fréquente les futuristes italiens. Larionov et Gontcharova organisent en 1910 à Moscou l’exposition “Valet de carreau” qui présente Cézanne, Matisse, Picasso à côté des artistes russes. Bref, l’avant-garde russe naît dans un dialogue européen permanent.

Ce qui la rend spécifique, c’est la radicalité. La ou les cubistes français décomposent encore un objet, Malevitch, en 1915, expose Carré noir sur fond blanc — un carré noir, point. C’est l’acte de fondation du suprématisme : l’idée qu’on peut peindre une émotion, une élévation spirituelle, sans aucune référence au monde visible. C’est radical, c’est mystique même, et ça change définitivement ce que peindre veut dire.

Kandinsky, lui, est un peu différent. Sa non-figuration est plus musicale, plus organique. Il voit des couleurs quand il entend des sons — il était synesthete — et ses Compositions essaient de transposer cette expérience. Il est plus âge que Malevitch, sa rupture avec le figuratif est plus progressive, mais elle est tout aussi décisive : avec Kandinsky, on tient la naissance réelle de la peinture abstraite en Europe, autour de 1910-1913.

Le réalisme socialiste : un détour ou une voie a part entière ?

**Sophie Lecomte :** Après 1932 et la doctrine officielle imposée par Staline, l'avant-garde est étouffée, et c'est le réalisme socialiste qui domine pendant cinquante ans. Comment regardez-vous cette période ? Faut-il la considérer comme une parenthèse a oublier, ou comme un chapitre légitime de la peinture russe ?

**Mikhail Petrov :** C'est une question que je trouve mal posée dans le débat occidental, ou l'on tend à balayer cette période comme un simple appareil de propagande. La réalité est plus complexe.

D’abord, la doctrine officielle a imposé des canons : peinture figurative, sujets édifiants — l’ouvrier, le soldat, le kolkhozien, Lénine, le portrait de Staline —, technique académique. Beaucoup d’œuvres produites sous cette contrainte sont effectivement décoratives et idéologiquement transparentes. Aleksandr Guerassimov ou Boris Ioganson, par exemple, sont des praticiens efficaces mais sans tremblement.

Mais la catégorie “réalisme socialiste” recouvre aussi des peintres remarquables qui ont réussi a exister dans le cadre. Arkadi Plastov, par exemple, peint la vie paysanne russe avec une humanité et une lumière superbes — son Fenaison ou ses paysages d’hiver tiennent largement la comparaison avec les meilleurs paysagistes européens du siècle. Iouri Pimenov, Aleksandr Deyneka, Tatiana Yablonskaia développent un langage figuratif qui, sans être contestataire, possède une qualité plastique réelle.

Et puis il y a la peinture officieuse, ou “non-conformiste”, qui se développé en parallèle à partir des années 1950 — les artistes du Lianozovo group, Oscar Rabine, Vladimir Yakovlev, plus tard Eric Boulatov, Ilya Kabakov. Ils peignent dans l’ombre, exposent dans des appartements, parfois sont arrêtés — l’exposition au bulldozer de 1974 à Moscou est un moment clé. C’est une autre tradition russe du XXe siècle qu’il ne faut pas oublier.

Ma conviction : on ne peut pas réduire un demi-siècle de peinture russe a “Staline à tout casse”. On y trouve des artistes médiocres, comme partout, et des artistes de premier plan qui ont travaille dans des conditions très dures. Le tri se fait peinture par peinture, pas par étiquette.

Après 1991 : que devient la peinture russe contemporaine ?

**Sophie Lecomte :** La perestroïka et l'effondrement de l'URSS rebattent toutes les cartes. Comment caracteriseriez-vous la peinture russe contemporaine, des années 1990 a aujourd'hui ?

**Mikhail Petrov :** La période post-soviétique est passionnante parce qu'elle voit cohabiter trois générations qui ne se comprennent pas toujours. La génération des dissidents — Kabakov, Rabine, Boulatov — passe en occident, expose à la documenta, à la Biennale de Venise, et y rencontre une carrière internationale. Leur travail mélange souvent ironie soviétique, références conceptuelles et nostalgie.

La génération des années 1990, qui a connu l’URSS jeune mais qui a fait sa carrière dans la nouvelle Russie, développé ce qu’on a appelé le “Moscow conceptualism” puis le “moscou actionnisme”. Avdei Ter-Oganian, Oleg Koulik, Anatoly Osmolovsky, AES+F : ce sont des artistes provocateurs, parfois polémiques, qui interrogent l’identité russe post-soviétique avec une charge ironique très forte. Le groupe AES+F en particulier — quatre artistes — produit des installations vidéo impressionnantes qui circulent dans les biennales du monde entier.

La génération la plus jeune, née dans les années 1980-1990, a quitte la Russie en grand nombre depuis 2014, et plus encore depuis 2022. Berlin, Paris, Tel Aviv, Tbilissi, Erevan sont aujourd’hui les capitales de cette diaspora artistique russe. C’est une génération très connectée, qui produit autant de peinture que de vidéo et d’installation, et qui interroge la réussite a distance — souvent de manière critique. Pour avoir un panorama des débats culturels qui traversent cette diaspora, je recommande l’entretien avec un slaviste sur les peuples slaves que vous avez publié récemment.

Kabakov, l’art conceptuel et la diaspora russe

**Sophie Lecomte :** Vous évoquez Ilya Kabakov. Pour les lecteurs qui ne le connaissent pas, pouvez-vous expliquer pourquoi il est si important ?

**Mikhail Petrov :** Ilya Kabakov, ne en 1933 a Dnipropetrovsk dans l'Ukraine soviétique, est probablement l'artiste russe contemporain le plus important du second XXe siècle. Pendant des décennies, il a travaille comme illustrateur de livres pour enfants — c'était son gagne-pain officiel — tout en produisant en secret, dans son atelier moscovite, ce qu'il appelle ses "albums" : des séries de dessins-textes qui racontent des histoires absurdes et tragi-comiques de l'homme soviétique.

Après avoir émigré aux États-Unis en 1987, puis travaille avec son épouse Emilia Kabakov, il invente le format de “l’installation totale” : on entre dans une pièce reconstituée — un appartement communautaire soviétique, une salle d’attente, un musée imaginaire — et on devient acteur de la fiction. L’homme qui s’envola dans le cosmos depuis son appartement (1985), avec son trou dans le plafond et sa catapulte improvisée, est devenu un classique de l’art contemporain mondial.

Son importance est triple. D’abord, il transforme la mémoire soviétique en matière artistique — sans ironie facile, avec une tendresse et une mélancolie qui touchent universellement. Ensuite, il propose un format nouveau, l’installation immersive narrative, qui a influence des dizaines d’artistes après lui. Enfin, il incarne la diaspora russe créative, celle qui exporte la culture russe sans le pouvoir russe — un modèle que beaucoup d’artistes plus jeunes essaient de prolonger aujourd’hui. La maison qu’il a fondée a Long Island avec Emilia est devenue un lieu de pèlerinage pour les amateurs.

Y a-t-il une “ame slave” en peinture, vraiment ?

**Sophie Lecomte :** Question peut-être piège : on entend souvent parler d'"ame slave" ou d'"ame russe" en peinture. Cette notion a-t-elle un sens pour un historien d'art, ou est-ce un cliché romantique ?

**Mikhail Petrov :** Les deux à la fois. Comme historien, je me méfie des essences nationales — c'est une catégorie souvent paresseuse, et politiquement glissante. Il n'y a pas plus d'ame russe en peinture qu'il n'y a d'ame française ou d'ame allemande. Chaque tradition est plurielle, faite de cas singuliers et de circulations.

Cela dit, il existe des constantes formelles et thématiques qu’on retrouve souvent dans la peinture russe et qu’il serait absurde de nier. Une certaine attention au paysage immense — la steppe, la forêt, la neige —, qui produit une échelle particulière ; une fréquence élevée de scènes religieuses ou spirituelles, même dans la peinture profane, qui prolongent la tradition iconique ; un goût pour le drame collectif et historique plutôt que pour la scène intime ; une lumière souvent froide, contrastée, ou la couleur joue un rôle expressif fort.

Mais ces traits ne sont pas mystérieux : ils s’expliquent par la géographie, par l’histoire orthodoxe, par la prévalence d’un imaginaire national construit au XIXe siècle. Ce ne sont pas des essences. Et ils n’épuisent pas la peinture russe — Aivazovski peint la mer Noire avec autant d’évidence qu’il n’y a rien de “russe” spécifique a y trouver, et Kandinsky en Allemagne fait de l’art européen autant que russe.

La meilleure approche, je crois, est de lire les œuvres une par une, sans grille essentialiste, mais en les inscrivant dans l’épaisseur de leur contexte. C’est ce que les grands auteurs de la littérature russe nous apprennent aussi — Tolstoi, Dostoievski, Tchekhov sont russes a évidence, mais ils sont d’abord des écrivains européens du XIXe siècle qui dialoguent avec Flaubert, Dickens, Zola.

Comment voir l’art russe en France aujourd’hui ?

**Sophie Lecomte :** Pour un lecteur français qui voudrait découvrir physiquement l'art russe, quelles sont les pistes en France aujourd'hui ?

**Mikhail Petrov :** La France a une tradition d'accueil de l'art russe assez riche, même si elle est moins visible que celle de l'Allemagne ou des États-Unis. Plusieurs pistes coexistent.

D’abord, les institutions publiques. Plusieurs grands musées parisiens conservent des œuvres russes ou d’origine russe, soit par achat historique, soit par dons d’émigrés. Les expositions monographiques sont rares mais marquantes — il y a eu de très belles rétrospectives Chagall, Soutine, Goncharova ces dernières décennies. Surveillez les programmations des grands musées parisiens et lyonnais.

Ensuite, la diaspora russe en France a constitue, sur plus d’un siècle, un tissu de galeries, de fondations privées et de collections familiales qui sont accessibles aux amateurs curieux. Pour découvrir certaines de ces ressources, l’article d’Art-Russe sur La Vieille Russie à Paris présente une de ces institutions historiques. Plus largement, notre entretien sur les icônes et l’art sacré russe publié par Héritage Russe éclaire un pan connexe de ce patrimoine, celui de l’art religieux qui a souvent voyagé aux côtés des peintres russes installés en France au XXe siècle.

Pour la sculpture russe en France, il y a aussi des figures intéressantes, comme Georges Lavroff, sculpteur qui représente toute une génération d’artistes russes installés à Paris dans l’entre-deux-guerres. Et pour comprendre le contexte plus large de la présence culturelle russe sur le territoire français, je recommande les ressources du centre culturel russe en France qui présentent des artistes contemporains et des événements réguliers.

Enfin, les ventes aux enchères parisiennes — Sotheby’s, Christie’s, Artcurial, Tajan — programment régulièrement des sessions d’art russe ou les amateurs peuvent voir physiquement, lors des expositions preventes, des œuvres rares qui passeront ensuite en collections privées. C’est un excellent moyen de se former l’œil sans coût d’entrée.

Conseils pour acquérir une œuvre russe quand on débute

**Sophie Lecomte :** Beaucoup de nos lecteurs s'interrogent sur la possibilité d'acquérir, modestement, une œuvre russe. Quels conseils donneriez-vous à un débutant ?

**Mikhail Petrov :** Premier conseil : ne pas viser les grands noms. Un Repin authentique se compte en millions, un Malevitch également. Ce n'est pas accessible, et ce n'est pas la meilleure piste de toute façon — on n'achète pas un investissement, on achète une œuvre qu'on aime.

Deuxième conseil : explorer les peintres russes “secondaires” du XIXe et du début XXe. Les élèves de Repin, les peintres de l’Académie qui ont eu une carrière honnête sans devenir célèbres, les émigrés de la première vague (1920-1940) qui ont peint à Paris, Berlin, Belgrade — Annenkov, Yakovleff, Larionov tardif, certains paysagistes — peuvent offrir de très belles œuvres pour des budgets de quelques milliers d’euros. Fréquenter les ventes aux enchères et les marchands spécialisés permet de calibrer.

Troisième conseil : les icônes, oui, mais avec précaution. Le marche est complique : authentification difficile, faux fréquents, questions de provenance et d’export depuis la Russie réglementées. Si l’on débute, mieux vaut passer par une galerie établie de longue date à Paris plutôt que par un marchand inconnu. Pour s’orienter dans cet univers, notre entretien avec une iconographe sur l’art sacré russe donne des repères fiables pour débuter, mais il faut toujours croiser les avis.

Quatrième conseil : l’art russe contemporain de la diaspora est une excellente piste pour les budgets modestes. Beaucoup d’artistes russes ou ukrainiens installés à Paris, Berlin ou Tel Aviv depuis 2014 ou 2022 vendent des œuvres directement, dans des conditions de prix très raisonnables, et ce sont des artistes vivants dont la cote peut évoluer.

Cinquième conseil : visiter, regarder, lire. Acheter sans avoir vu beaucoup d’œuvres physiquement est une mauvaise idée. Et croiser les références géographiques aide aussi : quand on travaille sur l’art slave, comprendre la carte des pays slaves permet de situer les œuvres dans leur contexte plutôt que de les confondre toutes sous l’étiquette “art de l’Est”.

Questions rapides — idées reçues sur la peinture russe

Sophie Lecomte : Quelques affirmations rapides, vrai ou faux ?

1. “L’art russe se résume aux icônes.”

Mikhail Petrov : Faux. L’icône est un fonds d’origine essentiel, mais la peinture profane explose au XIXe siècle avec les Ambulants et continue de se diversifier sans interruption jusqu’à nos jours.

2. “Malevitch a invente l’abstraction.”

Mikhail Petrov : Nuance. Kandinsky est antérieur sur la non-figuration — autour de 1910-1913 —, mais Malevitch radicalise avec Carré noir en 1915 et fondé le suprématisme comme système philosophique a part entière.

3. “Kandinsky est plus français que russe.”

Mikhail Petrov : Faux. Formation russe, identité slave revendiquée toute sa vie, même s’il a vécu en Allemagne puis termine sa vie en France. Sa pensée est nourrie de théosophie russe et de mystique orthodoxe.

4. “Le réalisme socialiste interdisait toute créativité.”

Mikhail Petrov : Inexact. Il imposait des canons, mais a permis des œuvres techniquement remarquables — Plastov, Deyneka — et a coexiste avec une peinture officieuse riche et résistante.

5. “Les Ambulants étaient des révolutionnaires politiques.”

Mikhail Petrov : Faux. C’étaient des réformistes critiques, attaches a l’idée d’un art national accessible au peuple, mais pas des militants révolutionnaires au sens politique du terme.

6. “L’art russe contemporain n’existe plus depuis 2022.”

Mikhail Petrov : Faux. Une diaspora artistique russe très active s’est constituée a Berlin, Paris, Tel Aviv, Erevan, Tbilissi. Elle produit, expose, dialogue. Ce qui change, c’est sa géographie — et son rapport au pouvoir russe.

7. “Chagall, c’est de l’art français.”

Mikhail Petrov : Faux. Chagall est ne a Vitebsk en 1887, dans une famille juive de l’Empire russe, et son imaginaire — chèvres volantes, violonistes sur les toits, mariées ascensionnelles — vient directement du Yiddishland russe. Il a été français par choix, mais russe par formation.

Conclusion : trois œuvres a découvrir pour commencer

Au terme de cet entretien, Mikhail Petrov nous a livre trois recommandations concrètes pour entrer dans la peinture russe :

1. Pour le XIXe siècle réaliste : Les Bateliers de la Volga d’Ilia Repin (1870-1873). C’est l’archétype du regard russe sur le travail et la dignité humaine, peint avec une virtuosité chromatique exceptionnelle.

2. Pour l’avant-garde : Carré noir sur fond blanc de Kazimir Malevitch (1915). L’œuvre la plus radicale du XXe siècle européen, qui inaugure une nouvelle façon de comprendre ce que peindre veut dire.

3. Pour le contemporain : L’homme qui s’envola dans le cosmos depuis son appartement d’Ilya Kabakov (1985). Une installation totale qui condense en une pièce tout l’humour et la mélancolie de l’expérience soviétique.

Ces trois œuvres, séparées par plus d’un siècle, racontent une même histoire : celle d’une peinture qui n’a jamais cesse de prendre au sérieux le destin du peuple russe et de la culture européenne. Comme le rappelle Mikhail Petrov, “regarder l’art russe, c’est entrer dans une conversation a plusieurs voix qui se prolonge depuis Pierre le Grand jusqu’à la diaspora d’aujourd’hui — et qui n’a aucune intention de s’arrêter”.

Pour prolonger cette découverte, Art-Russe consacré une rubrique entière à la peinture russe et publié régulièrement le calendrier des expositions en France et en Europe.